Blues, Música

Kim Wilson: blues de branco pra preto nenhum botar defeito!

KimWilson“Brancos” podem tocar blues? Claro, não há porque duvidar da autenticidade musical quando a contrapartida é o talendo. A existência de Rock & Roll é prova disto. O vocalista e guitarrista Kim Wilson – mais conhecido como o líder dos Fabulous Thunderbirds – dá uma aula de blues em seu álbum solo de 2001, Smokin ‘Joint. Wilson gravou Smokin ‘Joint (ao vivo) com duas bandas diferentes ao longo de quatro noites. Ele capturou shows nos dias 26 e 27 de fevereiro de 1999 no The Rhythm Room em Phoenix, AZ, e 8 e 9 de dezembro de 2000 no Cafe Boogaloo, em Hermosa Beach, CA. As 13 músicas são uma mistura de originais e clássicos do blues. Wilson usou a mesma seção de ritmo do baixista Larry Taylor e do baterista Richard Innes em ambas as bandas. Os guitarristas Rusty Zinn e Billy Flynn tocaram nos shows do The Rhythm Room enquanto os guitarristas Kirk Fletcher e Troy Gonyea e a pianista Mark Stevens apresentaram os shows do Cafe Boogaloo. “Ain’t Gonna Do It”, “Oh, Baby”, “Got to Let You Go” e “I Can Tell” têm um toque de jazz, enquanto que “Good Time Charlie“, “Early in the Morning”, “Telephone Blues” e “High & Lonesome” seguem o formato de blues tradicional. Entre os originais de Wilson estão “Smokin ‘Joint“, um instrumental com um sabor de rock and roll dos anos 50 e “Learn to Treat Me Right“, que evolui para um R&B/rock & roll dos anos 60. Em geral, a voz rica de Wilson e o jogo de harmônicas estão em boa forma. Ele não quebra nenhum terreno novo no Smokin ‘Joint – ao contrário dos hits do Fabulous Thunderbirds, como “Tuff Enuff“, “Wrap It Up” e “Powerful Stuff“, em que o seu blues polido figurava nas paradas pop – mas, ao que parece, seu maior propósito é manter esse tipo de música viva.


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Blues# Marília Lima – Embaraço

“O Garagem Hey Joe é um projeto que tem como objetivo abrir espaço para bandas e artistas locais divulgarem o seu trabalho autoral nas noites de Fortaleza, além de proporcionar para o público fiel da casa a oportunidade de conhecer novos sons. A curadoria musical é assinada pela My Music Produtora e o videoclipe é uma produção da Vai Pra Marte Filmes.”


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The Dirty Mojo Blues Band

13413668_1032121730156890_4983999694014434265_nOriunda da Pensilvânia/EUA, a Dirty Mojo Blues Band, banda formada por Shawn “Dirty” Strickland (vocal/gaita), Gary “Daddy Mojo” Strickland (guitarra/vocal), AL Meck (guitarra), Tim Reinhard (baixo) e Mark Peterson (bateria) faz um “bluezão” temperado com boas doses de rock. As composições são ancoradas na gaita harmônica e guitarra e são altamente influenciadas pelo que de melhor se produziu nas antigas do blues e do rock ‘n’ roll. Os caras conseguem conciliar esses elementos de modo a construir um som próprio e original.

Dos antigos, a banda cita como principais influências nomes como BB King, Buddy Guy, Muddy Waters, Taj Mahal, Junior Wells, SRV, Eric Clapton, Zeppelin, Lynyrd Skynyrd e The Allman Bros; dos contemporâneos, Dirty Nickels, Blind Chittlin Kahunas, Nate Myers and the Aces, Black and Blues e Tickeled Pink.


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Mighty Sam McClain: música para a alma

MacClain-MB-1998002O vocalista Mighty Sam McClain é um especialista em soul-blues do sul, um dos mestres originais da década de 1960, quando a música desfrutou de sua popularidade máxima. Ele continua com a tradição de vocalistas como Bobby Bland, Solomon Burke, Otis Clay, James Carr e Otis Redding. Suas excelentes gravações dos anos 90 agora estão amplamente disponíveis, mas isso nem sempre foi o caso. Como tantos outros vocalistas do soul-blues, McClain começou a cantar o evangelho no coro de sua mãe [na igreja] quando ele tinha cinco anos. Aos 13 anos, devido a desentendimentos com seu padrasto, ele saiu de casa e viveu com os avós por um tempo antes de conhecer Little Melvin Underwood. Ele trabalhou com a Underwood primeiro como valet e depois como vocalista em destaque em seus shows ambulantes. Suas inspirações incluíram Little Willie John, Clyde McPhatter dos Drifters, B.B. King e Bobby “Blue” Bland. McClain lembrou de ter visto Bland no auditório da cidade em Monroe, Louisiana, como um momento revelador. Anos depois, McClain abriria para Bland no Tipitina’s, um clube de blues em Nova Orleans. Até hoje, ele considera o aceno de aprovação de Bland como um ponto alto de sua carreira.

Blues-Soul-Singer-Mighty-Sam-McClain-dies_teaser_700xAo trabalhar no 506 Club em Pensacola, Flórida, em meados dos anos 60, foi apresentado ao produtor e DJ Don Schroeder. Trabalhando com Schroeder, ele gravou o sucesso de Patsy Cline “Sweet Dreams“. Depois disso, várias outras visitas ao Muscle Shoals Studios no Alabama renderam singles como “Fannie Mother” e “In the same old way“. McClain continuou a ter públicos cada vez maiores por suas apresentações no Clube 506 e depois no Teatro Apollo em Harlem. Ele gravou um single para Malaco e dois singles para o Atlântico em 1971, antes de cair na cena, por um tempo.

MI0000494346Nos 15 anos seguintes, McClain se entretia realizando tarefas domésticas, em sua casa em Nashville e New Orleans. Os Irmãos Neville e outros da cena da Cidade Crescente foram creditados como apoiadores da reconstrução de sua carreira de cantor de Blues. McClain conheceu o baterista de Mason Ruffner, Kerry Brown, e os dois juntaram uma banda. Pouco depois, eles gravaram um single para o selo Orleans de Carlo Ditta, e a carreira de McClain foi rejuvenescida. Depois de gravar com Hubert Sumlin no Blues Party para o selo BlackTop em 1987, McClain começou a restabelecer sua antiga reputação como um grande cantor de blues/soul, excursionando com Sumlin e sua comitiva. No final dos anos 80, McClain tinha se mudado de Houston para Boston. Durante a maior parte dos anos depois, ele morava em Boston e no sul de New Hampshire.

MI0001519646McClain não gravou seu primeiro álbum de estúdio sob seu próprio nome até os 50 anos. Até que, por intermédio de sua baterista de Boston, Lorne Entress, que fez uma conexão com o selo Audioquest baseado na Califórnia. Então, McClain lançou uma sequência de álbuns que incluem Give It Up to Love (1992), Keep on Moving (1995), Sledgehammer Soul e Down Home Blues (1996), o último indicado para um W.C. Handy Award. Todos receberam comentários positivos da crítica especializada e, pela primeira vez em sua vida, ele controlou seus próprios direitos de publicação de canções.

MI0001655192Blues for the Soul (2000) foi lançado pelo selo Sundazed, e Sweet Dreams seguiu-se pelo Telarc em 2001. Começando sua própria gravadora, Mighty Music Records, McClain lançou One More Bridge to Cross sob sua marca em 2003, seguindo-o de Betcha Didn’t Know em 2009. O selo noruegues Kirkelig Kulturverksed o ajudou no lançamento do Scent of Reunion de 2010: Love Duets Across Civilizations e One Drop Is Plenty do ano seguinte.


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blues# Marília Lima

10413385_928389803853623_1910841698310141646_nO show da cantora e compositora Marília Lima traz o melhor do cancioneiro norte-americano em diálogo com nossa brasilidade, apresentando versões inusitadas dos clássicos do Blues, Jazz e Soul Music. Um repertório que inclui as grandes vozes do Blues e Jazz internacional mais clássico como Etta James e BB King, até as mais modernas como Amy Winehouse e Adele. Em 2011, insere-se como revelação e referência feminina do gênero blues na cidade como vocalista da Banda InBlues, onde passeia pelo universo sonoro do jazz, blues, rock e soul.

Considerada uma das principais e mais marcantes vozes femininas da atualidade, Marília Lima passa a circular com uma série de shows a convite de casas noturnas especializadas no gênero e através de parceria com a Associação Casa do Blues, participando da gravação do 1º DVD da categoria, com a presença de 3.000 espectadores no Parque do Cocó em Fortaleza, obtendo repercussão nacional.

Em 2013, é convidada a participar da Jam’s Session’s Casa do Blues no Festival de Jazz & Blues de Guaramiranga – um dos eventos mais tradicionais e respeitados do Brasil, em 2014 obtém destaque na programação Casa do Blues Estoril ainda como integrante da Banda InBlues e em 2015 participou do DVD Casa do Blues – Estoril em comemoração ao encerramento do Projeto .

No decorrer do ano de 2015, desenvolve um projeto independente em formato duo, o Piano Blues Project em parceria com o tecladista e produtor Leonardo Vasconcelos, quando decide apostar no primeiro trabalho solo e autoral, intitulado Rosa Negra.
Dentre seus processos criativos, a intérprete e compositora inspira-se em grandes divas da música universal como Dalva de Oliveira, Etta James, Maysa, Aretha Franklin, Janis Joplin, Núbia Lafayette, Ella Fitzgerald, Amy Winehouse e Nina Simone.

Nota do editor: infelizmente a página da artista está desatualizada e, após algumas pesquisas, não encontramos referências atuais da mesma. Por esse motivo, solicitamos a cantora que atualize sua página para que possamos falar também do momento presente.


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Eliza Neals: explorando novas texturas no Blues

original10,000 Feet Below“, explora novas texturas para o Blues. Eliza exerce o papel de guia e sua tarefa é nos conduzir pelos caminhos ásperos do gênero, num percurso durante o qual sua voz aveludade e rouca nos traz alívio, até chegar no paraíso. As Canções são dirigidas pelo piano, mas e guitarra sexy de Howard Glazer desempenha uma função quase pedagógica na estrutura das harmonias, quase perfurando o vácuo com um timbre deliciosamente honesto. Causa-nos a sensação de, num antigo templo do blues, estar “indo e voltando” no  tempo, descendo degraus de modo a sentir a alma elevar-se musicalmente.

14963276_10155391081333102_4870492500092884798_nNo disco, alguns músicos figuram como convidados, como é o caso dos guitarristas Paul Nelson (Johnny Winter, Grammy 2015) e Billy Davis (Jimi Hendrix, Rock n Roll HOF), que ajudaram a lançar luz sobre os caminhos. Os bateristas Skeeto Valdez (Les Clay Pool), Demarcus Sumter, Brian Clune, Rubin Nizri e John Medeiros deram um rumo certeiro para passos no escuro. Exercendo a função de “pilares”, os baixistas Paul Randolph, John Abraham, Mike Griot (fundador SMIBF) e Lenny Bradford (Joe Louis Walker) fazem seus instrumentos ressonar pelo espaço. Eliza mergulha de cabeça nas águas do imprevisto do modo como só uma artista completa poderia fazer.


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John Lee Hooker: 100 anos de Blues

Conhecido pelos fãs de música no mundo todo como o “Rei da Boogie”, John Lee Hooker continua sendo um dos mais autênticos superstars do blues. Seu trabalho é amplamente reconhecido por seu impacto na música moderna – suas canções simples, porém profundamente eficazes transcendem fronteiras e idiomas ao redor do globo. Cada década da longa carreira da Hooker trouxe uma nova geração de fãs e novas oportunidades para o artista sempre em evolução. Ele nunca desacelerou: quando John Lee Hooker entrou em seus 70, ele de repente se encontrou na era mais bem sucedida de sua carreira – criou e reinventou, e energizado como sempre, fazendo turnês e registrando tudo até o seu falecimento.

Nascido perto [da cidade] de Clarksdale, Mississippi, em 22 de agosto de 1917, numa família que gostava de música, a influência mais antiga de Hooker veio de seu padrasto, William Moore ̶ , um músico de blues que ensinou seu jovem enteado a tocar violão e a quem John mais tarde creditou por seu estilo único no instrumento.

No início da década de 1940, Hooker se mudou para Detroit, vivendo entre Memphis e Cincinnati. Durante o dia, ele trabalhava como zelador nas fábricas de automóveis, de noite, como muitos do interior, ele entretinha amigos e vizinhos tocando nas festas da casa. O “Hook”, como era conhecido, ganhou fãs nos arredores da cidade por conta desses shows, incluindo o proprietário da loja de discos locais, Elmer Barbee. Este ficou tão impressionado com o jovem músico que o apresentou a Bernard Besman, um produtor, distribuidor de discos e proprietário da Sensation Records. Em 1948, Hooker  ̶ havenfo aperfeiçoado seu estilo na guitarra elétrica  ̶ gravou várias músicas para Besman, que, por sua vez, licenciou as faixas para a Modern Records. Entre essas primeiras gravações foi “Boogie Chillun” (logo depois de aparecer como “Boogie Chillen“), que se tornou um hit, vendendo mais de um milhão de cópias. Este sucesso foi logo seguido de uma série de outros, incluindo “I’m in the Mood“, “Crawling Kingsnake” e “Hobo Blues“. Hooker assinou com um novo selo, o Vee-Jay Records, com o qual, durante anos, manteve um cronograma de gravação profícuo, lançando mais de 100 músicas.

Quando os jovens artistas boêmios da década de 1960 “descobriram” Hooker, entre outros notáveis ​​artistas do blues, ele seguiu sua carreira assumindo uma nova direção. Com o movimento popular em alta velocidade, Hooker voltou ao seu solo, raízes acústicas, e havia grande demanda para se apresentar em faculdades e festivais populares em todo o país. Através do Atlântico, bandas britânicas emergentes estavam imitando o trabalho da Hooker. Artistas como os Rolling Stones, os Animals e os Yardbirds introduziram o som da Hooker em audiências novas e ansiosas, cuja admiração e influência ajudaram a construi-lo como artista até o status de superstar. Em 1970, Hooker se mudou para a Califórnia e muito se ocupára colaborando em diversos projetos com astros do rock. Uma dessas colaborações foi com Canned Heat, que resultou no hit de 1971 Hooker ‘n’ Heat. O álbum duplo tornou-se o primeiro disco de ouro de John Lee Hooker.

17022111_1455182634516148_1639674282748038813_nAo final dos anos 70 e 80, John Lee girou pelos EUA e pela Europa constantemente. Sua aparição no lendário filme Blues Brothers [no Brasio, Irmãos Cara de Pau] resultou em mais popularidade pelo mundo. Então, aos 72 anos, John Lee Hooker lançou o maior álbum de sua carreira, The Healer. Ganhou o Grammy Award de 1989 emparelhando a artistas contemporâneos (Bonnie Raitt, Carlos Santana, Los Lobos e George Thorogood, entre outros). The Healer foi aclamação pela crítica como melhor do ano e vendeu mais de um milhão de cópias. Hooker terminou a década como artista convidado dos Rolling Stones, na transmissão nacional de sua turnê de 1989, Steel Wheels.

19510679_1586221471412263_8641811609191464372_nCom seus sucessos recentes, John Lee entrou na década de 1990 com uma sensação de inspiração renovada. Não só a década foi uma época de celebração e reconhecimento para o lendário artista, mas também foi uma era altamente produtiva. Ele lançou cinco álbuns de estúdio nos anos seguintes, incluindo o Mr. Lucky, que mais uma vez juntou Hooker com uma série de artistas; Boom Boom, que visava introduzir novos fãs no seu material clássico; o Chill Out do Grammy Award, e uma colaboração com Van Morrison, Do not Look Back, que também obteve dois prêmios no Grammy de 1997.

14183756_1269345269766553_2120871416056211973_nAo longo da década, o grande trabalho de Hooker e as contribuições para a música moderna foram reconhecidos não só por seus pares, mas também por uma geração mais jovem. Ele se tornou um rosto familiar na cultura popular, com aparições no The Tonight Show e Late Night com David Letterman. Em 1990, um enorme show de homenagem ocorreu no Madison Square Garden de Nova York, com Hooker e uma lista de artistas convidados. Um ano depois, John Lee foi incorporado ao Hall of Fame do Rock & Roll, enquanto em 1997 foi apresentado uma estrela no Hollywood Walk of Fame.

Taken from the official galleryEm 2000, pouco antes do falecimento, John Lee Hooker foi reconhecido com um Grammy Lifetime Achievement Award (conjunto da obra). E há apenas uma semana antes de sua morte, o bluesman passou toda a noite de sábado tocando blues – noite agora, lendária – para uma casa lotada no Centro Luther Burbank para as Artes, em Santa Rosa, CA. Hooker vive: sua música pode ser ouvida regularmente em programas de TV, comerciais e filmes, e muitas de suas faixas também encontraram uma segunda vida em novas músicas testadas e aprovadas por lendas da música moderna como o artista do hip-hop Chuck D e o da música eletrônica, St Germain, entre outros.


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